Música Golfa

Rock Progresivo

El rock progresivo (en inglés progressive rock, prog rock) es un subgénero del rock aparecido al final de la década de los sesenta y que floreció durante la primera mitad de la década siguiente. El adjetivo progresivo alude tanto al carácter innovador que tuvo inicialmente el género (concebido como un paso adelante en el progreso de la música rock) como a la importancia que concede a la progresión musical: uno de sus clichés más característicos es el paso gradual, progresivo, de una sonoridad bucólica (acústica, medievalizante, folk, modal, de tiempo lento) a otra urbana (eléctrica, tensa, acelerada, con influencia del blues y del jazz).

Las composiciones progresivas se caracterizan por el uso de movimientos, como en las obras de música clásica, y por la adición paulatina de nuevos instrumentos que van desarrollando los temas musicales planteados en la pieza y la improvisación, cercana a menudo a los cánones del jazz, junto con un componente experimental heredado de la música electrónica. Son características del género las canciones largas, los álbumes conceptuales, las letras ambiciosas, el virtuosismo de los instrumentistas y un uso prominente del melotrón y otros sintetizadores. Aunque no todos estos rasgos se dan siempre, son habituales en las bandas que dieron forma al género, como Camel, Emerson, Lake & Palmer, Focus, Genesis, Gentle Giant, King Crimson, Jethro Tull, Pendragon, Supertramp, Mike Oldfield, The Alan Parsons Project, The Moody Blues, Pink Floyd, Rush, Renaissance, Soft Machine y Yes.

Cabe deslindar el rock progresivo del llamado rock sinfónico. Aunque ambos géneros se solapan con frecuencia, el adjetivo sinfónico alude sobre todo a la sonoridad orquestal, integrada en algunas canciones pop (p.ej. “She’s Leaving Home”, de los Beatles y “Nights In White Satin”, de The Moody Blues) mediante el uso de secciones de cuerda u orquestas enteras, o evocada (de forma más económica) mediante el melotrón y otros sintetizadores primitivos.

El rock progresivo concede una gran importancia a la aportación individual de cada músico, lo que en ocasiones degenera en una profusión embarazosa de solos de guitarra, teclado, batería, etc., en detrimento del sentido unitario de la pieza. Sin embargo, en las mejores piezas del género el desarrollo coherente de la canción o pieza se impone al exhibicionismo virtuosístico. Los conciertos de estas bandas son generalmente grandilocuentes y espectaculares, especialmente en los grupos populares de la década de 1970, tales como Yes o Pink Floyd, mientras que sus letras suelen tener pretensiones literarias, a diferencia de las de los grupos de otros géneros.

Una de las influencias principales de este tipo de música se encuentra en la música minimalista (como ejemplos valgan Steve Reich, John Adams, y Philip Glass) y el “Gamelan”, la música de Java. En ambos tipos de música predomina un elemento repetitivo e hipnótico, potencialmente inductor del trance. En este sentido, el rock progresivo conecta con las aspiraciones de la psicodelia, pudiendo considerarse muchas composiciones del género como música creada para acompañar el viaje psicodélico o reproducir, sin ayuda química, su estructura y efectos. Un ejemplo temprano de la aplicación de la técnica minimalista al rock es la composición “Sister Ray” de The Velvet Underground.

Es difícil encontrar el origen exacto del género musical. Algunas fuentes citan a In the Court of the Crimson King, el debut de King Crimson, como el primer álbum de rock progresivo, mientras que otras mantienen que la primera grabación del género fue la banda sonora de la película Tonite Let’s All Make Love In London de Pink Floyd. Sin embargo, en discos anteriores de bandas como Deep Purple, Procol Harum y The Nice aparecen ya rasgos propios de esta corriente.
Lea el resto de la noticia »

“Redemption Song” es una canción del álbum Uprising, el último lanzado por Bob Marley & the Wailers antes de la muerte de Marley. Para cuando compuso el tema, en 1979, a Marley ya se le había diagnosticado cáncer y, según las propias palabras de su esposa Rita Marley, se encontraba en un profundo estado de depresión y tristeza.

A diferencia de la mayor parte de los temas de Bob Marley, “Redemption Song” es una grabación acústica en solitario con estilo folclórico donde Bob toca la guitarra y canta sin ningún acompañamiento instrumental extra. En el mismo disco Uprising, se puede encontrar esta canción instrumentalizada tocada por The Wailers y cantada por Bob.

Al igual que muchos de los temas del cantautor, “Redemption Song” expresa ideales del movimiento rastafari y promueve la liberación de la gente de sus propias imposiciones mentales.

En 2004, la revista Rolling Stone la ubicó #66 en su Anexo:Las 500 mejores canciones de todos los tiempos según Rolling Stone|lista de las 500 mejores canciones de todos los tiempos.

El tema ha sido versionado por muchos músicos, entre los cuales destacan Joe Strummer, Johnny Cash (a dúo y en solitario cada uno), U2, Stevie Wonder, Sublime (en vivo), Chris Cornell, Pearl Jam, Outlandish, Lauryn Hill, Sinéad O’Connor, Dave Matthews Band, Gondwana, Cassandra Wilson, Rihanna, No Use for a Name, Fermín Muguruza, Attaque 77, Sumo, Enrique Bunbury (en el proyecto Los Chulis), Amparanoia, Annie Lennox, El Congo y Ziggy Marley.

“Here It Goes Again”, es una canción del grupo de rock alternativo OK Go. Fue el tercer single del disco “Oh No”. Gracias al video, en el que el grupo aparace haciendo una curiosa y pegadiza coreografía sobre unas máquinas de correr, la canción se coloco en el numero 38 del Billboard Hot 100. el mencionado video se convirtió en un fenomeno en YouTube, siendo uno de los mas vistos con más de 51 millones de visitas. La mayor gracia del video, es que esta rodado en una sola toma, por lo que el grupo tenía que conseguir realizarla entera sin fallos, lo que les llevo diecisite intentos. En el video el que aprece cantando es Tim Nordwind, en lugar del cantante que es Damián Kulash.

El video fue premiado en el 2006 en los premios YouTube, en la categoria de Video Más Original, y en 2007 recibió un Grammy, esta vez en la categoría de Mejor Video Musical Vesión Corta.

ROCK PSICODÉLICO

El rock psicodélico es un estilo de rock que intenta evocar la experiencia psicodélica usualmente asociada con el uso de sustancias psicoactivas como la marihuana, la mescalina o el LSD. Dentro de la historia del rock, el rock psicodélico es un puente desde el blues-rock hacia el rock progresivo y el heavy metal, así como también las fusiones del rock con géneros como el jazz o la música tradicional de varias zonas del mundo, especialmente la música de la India. A mediados de los 60 nace el rock psicodélico con los experimentos de bandas como The Beatles,Grateful Dead, The Doors, The Mothers Of Invention, The Byrds o Pink Floyd, que influyeron en muchas bandas de todo el mundo.
Se cree que dió sus primeros pasos en la ciudad de San Francisco a mediados de la década de los 60, difundiéndose lentamente como otra forma de expresión artística de la contracultura global, influenciada por drogas alucinógenas, como el LSD, la mescalina, psilocibina y cannabis, entre otras. El rock psicodélico no se puede clasificar como un género, quiere decir que posee tantas variedades de estilos musicales y combinaciones de sonidos mágicos, melodías abstractas, letras esotéricas que describen sueños, miedos, visiones y alucinaciones, piezas largas y prolongados solos instrumentales e inimaginables sonidos electrónicos y efectos sonoros (parece ser música de otro planeta o de otra realidad) que hacen que la mente abra portales de percepción y se desprenda de la realidad ordinaria para ver la música transformarse en formas y colores. Los primeros ejemplos musicales influenciados por la psicodelia del siglo XX no se pueden saber con exactitud, pero entre lo más influyente de la época se suele citar a Pink Floyd (específicamente con el The Piper at the Gates of Dawn) como un pilar fundamental en el desarrollo no sólo del rock psicodélico, sino también de la música en general. Syd Barrett es considerado la pieza angular de la música psicodélica. También The Beatles aportaron un legado musical psicodélico muy significativo desde el álbum Revolver hasta White Album, con canciones como “Tomorrow Never Knows”, “Yellow Submarine”, “Lucy in the Sky with Diamonds”, “A Day in the Life”. También publicaron el álbum temático más emblemático de la era, Sgt. Pepper’s Lonely Hearts Club Band, disco que revolucionaría la forma de hacer música. A finales de los 60 otras bandas alcanzaron elevados niveles de composición psicodélica, como lo hizo Pink Floyd con Atom Heart Mother, Meddle y Dark Side of the Moon y The Doors con Jim Morrison y su chamánica y sensual forma de expresar las canciones. Jimi Hendrix, Eric Clapton (Cream), Velvet Underground, Jefferson Airplane, The Mamas and the Papas, Janis Joplin, The Beach Boys, Led Zeppelin y Grateful Dead entre otros, son los músicos que han podido traducir las experiencias alucinógenas y además difundirlo por todo el planeta como melodías del universo. Si bien los primeros músicos influenciados por las drogas psicodélicas pertenecían a corrientes jazzísticas (John Coltrane, muy admirado por los beatniks que después serían los hippies) y folk, el primer uso del término “psicodélico” en la música popular fue realizado por la banda “folk” The Holy Modal Rounders en 1964, dentro de su tema “Hesitation Blues”. El primer uso de la palabra “psicodélico” en el contexto de la música rock habitualmente se atribuye a la banda 13th Floor Elevators (una de las primeras en desarrollar este sonido). Un prototipo del sonido psicodélico en sí ya existía desde al menos un año antes en los directos de bandas como Grateful Dead, y los singles “Shapes Of Things” de The Yardbirds y “Sunshine Superman” de Donovan, estos dos últimos británicos. El género alcanzó su máxima popularidad entre 1967 y 1968 pero pronto decayó, dando paso en Inglaterra a otras corrientes musicales que adquirieron influencia en los años 70 como el rock progresivo, el rock sinfónico y el glam rock. Sin embargo, un importante número de bandas siguieron trabajando en la corriente y se produjo un nuevo auge en los años 80, y el rock psicodélico de los años 60 ha sido muy influyente en géneros como el rock progresivo y en la escena krautrock alemana, entre otros.

Lea el resto de la noticia »

Polly Jean Harvey (n. 9 de octubre de 1969, Yeovil, Inglaterra) es una cantautora inglesa. Criada en Corscombe, Dorset, Inglaterra, Harvey formó una banda epónima de adolescente con el batería Rob Ellis y el bajista Ian Olliver, quien fue reemplazado por Steve Vaughan. El trío lanzó su primer álbum Dry en 1992. Ellis y Vaughan dejaron la banda luego del lanzamiento de Rid of Me (1993), y Harvey continuó como solista.

Harvey es una artista muy reconocida; entre los premios que ha recibido se encuentran el Mercury Music Prize de 2001, siete nominaciones de los Brit Awards, cinco nominaciones para el Premio Grammy y otras dos nominaciones para el Mercury Music Prize. Rolling Stone la nombró Mejor Nueva Artista y Mejor Cantautora de 1992 y Artista del Año de 1995, y colocó dos de sus álbumes en su lista de los 500 mejores álbumes de todos los tiempos. En el 2002 fue elegida como la artista de rock femenina número uno en una encuesta a los lectores de la revista Q.
Harvey se crió en una granja de ovejas cerca de Beaminster, y a muy temprana edad aprendió a tocar el saxofón y la guitarra. En la adolescencia participó en varias agrupaciones hasta 1991, año en que formó su propio grupo junto al bajista Steve Vaughan y el batería Rob Ellis. Al poco tiempo, consiguieron un contrato con el sello independiente Too Pure, grabando el single Dress. El tema obtuvo una buena respuesta dentro del rock independiente local y el segundo sencillo, Sheela-Na-Gig, recibió excelentes críticas de la prensa musical inglesa.

En 1992, el grupo de Harvey lanzó el disco Dry que fue distribuido en Estados Unidos por Island Records. Después de una larga gira, que culminó con su aparición en el Festival de Reading, la artista se mudó a Londres para grabar su segundo disco con el productor Steve Albini. El nuevo trabajo salió en 1993 con el nombre de Rid of Me, y catapultó a la banda. A final de año, la banda publicó una colección 4-Track Demos, versiones originales de las canciones anteriores.

Más tarde, Ellis y Vaughan se fueron de la banda y ella grabó su tercer álbum y el primero como solista, junto al productor Flood, al bajista Mick Harvey y a los guitarristas John Parish y Joe Gore. Harvey desarrolló un sonido más cercano al blues, que se observa en el nuevo disco de 1995, To Bring You My Love. Considerado como una pieza maestra por algunos críticos, el disco tuvo una considerable atención de la prensa y un fuerte apoyo en MTV y en las radios especializadas, especialmente por el sencillo Down By The Water. El disco fue un hit moderado, llegando al número 40 de los charts norteamericanos. Harvey pasó todo el año en la gira soporte. Durante 1996, grabó un tema a dúo con Nick Cave en el disco Murder Ballads de este último y cantó junto a su socio John Parish en Dance Hall at Louse Point. En 1998 Harvey regresó con el álbum Is This Desire?, en el cual experimentó como nunca antes con varios sonidos como la música electrónica, y al que ella llamó el mejor trabajo que había hecho. Sin embargo las críticas fueron esta vez variadas.

En el 2000, Harvey mostró su parte más mainstream con Stories from the City, Stories from the Sea, una propuesta con sonidos más “limpios” que en sus inicios, lo que ella misma llamó “pop. Aunque lo que yo llamo pop debe de ser lo más duro del mundo según los estándares de los demás”. Aparece un dueto con el líder de Radiohead, Thom Yorke, en el tema This Mess We’re In.

En el 2004 lanzó su séptimo disco, Uh Huh Her, que fue producido por ella misma y regresó a su típico sonido rock pero de una forma más cálida y sencilla.

En mayo de 2006 apareció en el mercado un registro audiovisual titulado “On Tour – Please Leave Quietly”, que muestra partes de lo que fue el último tour mundial realizado en el 2004. También trae comentarios de la misma cantante entre cada tema y una entrevista extra que aborda aspectos de su carrera y los detalles sobre su último disco.

El 23 de octubre de 2006 se editaron las sesiones que Harvey grabó entre 1992 y 2004 para el espacio del DJ británico John Peel. Se trata de una colección de doce temas que abarcan desde el debut de Harvey en 1992 con Dry hasta Uh Huh Her. Once pertenecen a sesiones con Peel y uno, You Come Through, al homenaje que se le tributó luego de su fallecimiento en diciembre de 2004.

En noviembre del 2006 comenzó a trabajar en su octavo álbum, White Chalk, con Flood, John Parish y Eric Drew Feldman. Fue lanzado en septiembre en Europa y en octubre en los Estados Unidos. Este álbum marcó una desviación radical de su estilo usual, consistiendo primariamente de baladas de piano.

Como continuación a Dance Hall at Louse Point, Harvey grabó otra colaboración con John Parish llamada A Woman a Man Walked By. Éste album se lanzó en marzo del 2009 y se inclinó al rock experimental y al folk, su primer sencillo siendo Black Hearted Love del que fue dicho tener “guitarras grunge hipnóticas”.
La contribución de PJ Harvey se ha visto reflejada en muchas bandas alternativas o del creciente género indie. En una entrevista para The Interface, el grupo norteamericano Uh Huh Her, compuesto por Camila Grey y Leisha Hailey, ha declarado que el nombre de la banda está relacionado directamente con el disco de Harvey del mismo nombre, editado en 2004.

Fuente: www.takorock.com

Tako comienza su andadura como banda en el año 1984. Durante la decada de los 80 graban varios trabajos destacando sobre todos ellos “A las puertas del deseo” (1989) con el cual irrumpen en el panorama del rock nacional.

En 1993 graban con BMG Ariola “Todos contra todos” desvinculándose de esta compañía dos años después y grabando con Az Records “Veneno” (1996).

En el año 2003 sacan un nuevo trabajo bajo el título de “Jaque” creando para ello un sello discográfico propio, Juntaversos Records. Es este disco el que posibilita el acercamiento a latinoamérica con dos viajes a Argentina, más concretamente a Buenos Aires, San Miguel de Tucumán, Bahía Blanca y La Plata.

Tako graba “Trece” durante los meses de febrero y marzo de 2007 en los estudios Sonora de Villaviciosa de Odón (Madrid) con la dirección técnica de Daniel Alcover, premiado como mejor técnico de sonido del año 2006, por sus trabajos con Dover, Vacazul o Pignoise. El disco es editado y distribuido por Warner Music Spain y sale a la venta bajo el sello Juntaversos Records, siendo “La mitad de mis espejos” la canción elegida como primer single del trabajo. En el disco se incluyen trece temas (cómo no) en los que se puede apreciar una producción extremadamente cuidada que se pone a disposición de la experiencia y calidad que la banda demuestra en los escenarios. El disco se graba contando con varias colaboraciones como Julián Kanevsky (La cabra mecánica) con arreglos de guitarra en temas como la versión del clásico “A las puertas del deseo”, o Daniel Madariaga (Vacazul) aportando el característico sonido Hammond en varios temas del disco.

En el 2009 se publica su primer trabajo en directo, “Takorce” (cd + dvd), decimocuarta referencia de su dilatada trayectoria. Grabado íntegramente en directo en un solo concierto y una sola toma (100% directo) en la memorable noche del 12 de octubre de 2008 durante las fiestas del Pilar de Zaragoza. Allí registraron este flamante cd + dvd acompañados de amigos como Fernando Madina (Reincidentes), Jorge Salán, María Villalón, Lorenzo Cortés y José Miguel Pérez “el Baño” (Joquín Sabina, Nena Daconte…). Más de 24.000 personas se dieron cita para la gran ocasión. El público, volcado con la banda, acabó de darle calor y color a la noche. Los 20 temas que recoge el cd y los 23 del concierto íntegro en el dvd muestran su recorrido a lo largo de sus trece discos y más de veinte años sobre los escenarios.

Fieles al mejor Rock and Roll han conseguido plasmar un directo intenso y contundente que los sitúa como uno de los mejores grupos de Rock and Roll de este país.

Tako está formado en la actualidad por Mariano Gil “Rones” en la voz y guitarra rítmica, Nacho Jimenez en los teclados, Íñigo Zubizarreta en la guitarra solista, Fernando Mainer en el bajo y José Mena en la batería.

Lea el resto de la noticia »